Las once piezas del álbum Still Inside del compisitor japonés morimoto naoki son una delicia. El sonido de instrumentos acústicos y eléctricos aparece fragmentado en notas cortas que van creando en su relación un espacio. A ratos pareciera haber una cadencia, una suerte de derrumbe conjunto de los fragmentos sonoros, en otras lo que se aparece es una superposición calma. En conjunto, las piezas son una especie de oda a un encuentro calmo.
Introducción
La representación de la violencia en la ópera moderna oscila entre dos polos: por un lado, el arquetipo expresionista; por otro, la realidad histórica. Eso supone un recorrido que va desde Mörder, Hoffnung der Frauen (Hindemith, 1919) e Irrelohe (Schreker, 1924) hasta Lulu (Berg, 1935), y de paso por las distintas versiones de Beatrice Cenci (Brian, Goldschmidt, Ginastera) o The Rape of Lucretia (Britten, 1946). Suponemos que la figura del asesino experimenta una progresiva desindividualización en la primera mitad del siglo XX: deja de ser un sujeto psicológico para convertirse en la manifestación de una estructura de poder que atraviesa el cuerpo, la sexualidad, la familia, la ley y la propia forma artística. El artículo distingue dos momentos clave: en el primero, la violencia es arquetípica y mítica (Hindemith, Schreker), y el cuerpo aparece como escenario de una guerra elemental entre fuerzas sexuales; en el segundo, la violencia se historiza (Cenci, Lulu), revelando su inscripción en instituciones concretas —la familia, la Iglesia, el derecho, el capital— que la producen y legitiman.
La conclusión del recorrido muestra que el asesino ya no puede ser considerado una categoría suficiente para explicar la violencia: el crimen no comienza con el acto de matar, sino que está inscrito en las relaciones sociales que lo preceden, y sobre todo en el imaginario que lo singulariza o lo identifica sistemicamente. Esto nos ha llevado a una reflexión sobre el recinto —la isla, el castillo, la casa, el jardín— como condición material de la violencia, aunque también a comprender, desde esta lógica, lugares como Gaza o el Sahara, donde la administración del territorio mismo se convierte en instrumento de poder sobre una población entera. Para eso se fabrican etiquetas identitarias que sitúan a los individuos en el marco de esa lógica de la dominación y la explotación. Por eso aquí se ha intentado captar la esencia de la deshumanización que, afectando al sujeto receptor del mensaje a través de su alienación fetichista, se extiende por el resto de los seres humanos. Es decir, cuanta más violencia se despliega, más crece la indiferencia, el desprecio y el odio hacia los vecinos, los iguales, que son cosificados y deshumanizados, tornándolos radicalmente desiguales.
Hay algo interesante en la música de corta duración. Como una caja pequeña que contiene un tesoro, nada menos que una cierta cápsula de tiempo perceptivo, que en pocos minutos puede hacernos pensar en el infinito. Quizá esta es una buena manera de entender, fuera de los límites de la temporalidad cronológica lo que Bergson llamaba duración, un tiempo experimentado desde dentro que no tiene sentido en el reloj. Presentamos en Ficción de la razón el álbum Klara Sahara de Raumhafen 81, proyecto del artista alemán Michael Schacht.
Hablamos ya del loop, de la repetición y diferencia. Una repetición nunca es igual a otra porque siempre está ocurriendo en un contexto nuevo. Así, la escucha puede ser entendida como un proceso dinámico que no sólo está expuesta a la alteración de lo que parece venir desde fuera, sino dispuesta a su propia transformación continua. Escuchar es disponerse a lo otro de forma imaginativa. Por eso, resulta interesante en este álbum de Merzbow & Vanity Productions (proyecto de los músicos Masami Akita y Christian Stadsgaard) llamado The New Peasantry, cómo funciona el loop de fondo sobre el que múltiples sonoridadaes parecen intervenir. Lo que hacen estas piezas es exponer el mecanismo mismo por el cual la repetición es impedida constantemente de volverse algo así como una mera equivalencia. En Ficción de la razón les dejamos, entonces, el álbum The New Peasantry para una escucha atenta.
Entremos un rato en este mundo sonoro que nos ofrece el proyecto sonoro japonés turquoise rabbit orchestra. Evidentemente la música de loops forma parte de nuestra forma de vida, o mejor dicho, se podría decir que es un síntoma de ella. El loop trae consigo una retención que involucra a la memoria, pero, al mismo tiempo, indica una pérdida, un recuerdo que mecánicamente se repite con la misma intensidad y los mismos parámetros sonoros y, sin embargo, nunca puede ser escuchado de la misma manera. Swapped Memories and Little Discoveries indaga en el ejercicio de la memoria, que convertida en loops, repeticiones de fragmentos, comporta siempre una diferencia.
Bodies of Water condensa dos piezas de cámara compuestas entre 2017 y 2018 que operan como estaciones de un mismo sistema: la exploración henniesiana de la repetición sostenida como revelación tímbrica. Sarah Hennies (percusionista, compositora autodidacta y figura central de la música experimental contemporánea estadounidense) ha construido una poética sonora donde lo mínimo se vuelve operativo: la iteración de gestos aparentemente simples despliega capas de complejidad acústica y afectiva que solo se manifiestan en la duración. Bodies of Water debe escucharse en el contexto de las preocupaciones persistentes en la obra de Hennies: la psicoacústica (cómo el oído construye percepción a partir de estímulos repetidos), la identidad queer y trans (el cuerpo como materia mutable, el agua como metáfora de fluidez), y la condición social de la escucha (quién escucha, dónde, en qué condiciones).
